Seis películas de distintas secciones

Aunque nuestra vida en el Festival vaya pasando de cine en cine, no podemos ser ajenos a una polémica en la que el certamen se ha visto envuelto en esta edición. Sin tomar partido por una u otra posición, ya que uno ya se hace mayor y el tema de las nuevas identidades de género se le escapa un poco, tan solo nos limitaremos a citar el problema y que cada cual saque sus propias conclusiones.
Mariona Borrull, una joven crítica de cine perteneciente al género no binario, renunció a su cargo de Jurado de la sección Brigadoon, por el que había sido escogida por el festival, dando como razón principal la ausencia de cineastas mujeres y no binarias en dicha sección en particular. El festival no tardó en emitir un comunicado donde defendía su posición y lamentaba la decisión tomada por la crítica.
A partir de entonces la noticia se convirtió en la comidilla de todas las previas a las proyecciones con personas que se posicionaban a favor o en contra de lo sucedido. Por lo que nosotros sabemos, el Festival lleva unos años llevando a cabo una serie de actuaciones en las que la mujer es protagonista, y para muestra un botón: las actividades que se pueden ver en esta edición dentro del llamado Sitges Industry:
Tras el éxito de su primera edición, Sitges vuelve a acoger Horror Girls, 2nd Meeting of European Female Filmmakers Specializing in the Fantastic Genre, una serie de mesas redondas y encuentros que ponen de manifiesto cómo el talento de autoras se valora en cada una de las etapas de la cadena de valor del producto cinematográfico. Dentro de dicho marco, podremos disfrutar de un encuentro con la actriz Heather Langenkamp (Nancy Thompson en Pesadilla en Elm Street, Pesadilla en Elm Street 3: Los guerreros del sueño y La nueva pesadilla de Wes Craven), quien recibirá el Premio Màquina del Temps en esta edición del Festival, y de una conversación entre Coralie Fargeat (directora de La sustancia y Revenge) y Carlota Pereda (directora de Cerdita y La ermita), dos de las voces más provocadoras y frescas del terror contemporáneo.
Entre las diferentes actividades, proponemos mesas redondas sobre producción y distribución: Priscilla Smith, Manon Barat y Antonia Nava, ahondarán en el rol de las distribuidoras a la hora de introducir el talento femenino en el mercado; Nahikari Ipiña, NuriaValls y Enrique López Lavigne reflexionarán sobre las labores de producción en clave femenina; y Lauren LaVera, Desirée de Fez, eIván Fund pondrán el foco en el carácter heterogéneo de los iconos femeninos en el cine de terror.
También hemos organizado una serie de conversaciones entre parejas de realizadores sobre sus experiencias en la dirección (Paco Plaza y Denisse Castro, Marysia Nikitiuk y Paul Urkijo, Veronika Franz & Severin Fiala) y una mesa redonda sobre tres apasionantes estudios enfocados en la figura de la mujer creadora dentro del fantástico con Mònica Garcia i Massagué, Heidi Honeycutt y Victoria McCollum, en la que se presentará Horror Girls: WomanInFan Europa, un libro oficial del Festival de Sitges que aborda el papel de las horror girls europeas.
Pero bueno, dejémonos de polémicas, que tampoco es que nos alimenten mucho, y vamos a por la materia prima, que en este Festival no es otra que las películas que podemos ir visionando. Eso sí, el cansancio empieza a hacer mella y cualquier mínimo resquicio de descanso empieza a ser muy bienvenido. Hoy reseñamos: Animale, de Emma Benestan; The Kingdom, de Julien Colonna; Krazy House, de Steffen Haars; Grand Theft Hamlet, de Sam Crane; Daniela Forever, de Nacho Vigalondo y Sister Midnight, de Karan Kandhari.
Animale
Una mujer que cuida toros está en un campo dominado por hombres. Una noche se emborracha y tiene un accidente en un campo lleno de toros y se despierta sin tener ni idea de lo que pasó. Todo lo que tiene para mostrar es una herida desagradable, probablemente causada por un toro.
Luego siguen apareciendo cadáveres de sus homólogos masculinos, los incidentes ocurren por la noche, donde ella desarrolla cambios corporales extraños. Animale es una película bien filmada y bien producida, pero que sufre mucho por la decisión de ocultar no uno, sino dos giros tremendamente obvios hasta los últimos diez minutos.
Me gusta mucho cómo la película establece un paralelismo entre su lucha contra los toros y su lucha contra el sexismo. Pero la película no añade nada nuevo a la conversación. Una vez más tenemos a una mujer luchando contra una comunidad machista. Su transformación tampoco cambia mucho.
En cambio, su violación se utiliza como una especie de giro argumental y para «legitimar» la muerte de estos machos. ¡La violación no es un recurso argumental! ¿Por qué su rabia, su ira y su frustración no son suficientes? ¿Por qué las mujeres en las películas no pueden luchar contra la opresión y el sexismo sin ser violadas?
La fotografía soleada de la Camarga, en Francia, es encantadora de ver, y también vale la pena mencionar la comprometida actuación principal de Oulaya Amamra. Sin embargo, la narrativa cargada de metáforas es demasiado obvia, mientras que los personajes masculinos unidimensionales no son más que estereotipos de su entorno.
Animale es ambiciosa y atmosférica, pero en última instancia no logra dejar una impresión duradera debido al guion débil y predecible.

The Kingdom
Una hermosa historia de amor paternal entre el líder de un clan corso, expuesto a una vendetta, y su hija Lesia, que quiere ayudar a su padre. La historia atrapa, nos apegamos a los personajes y está muy bien filmada. Como muchas películas de gánsteres, podemos lamentar una cierta idealización de la figura del bandido. La película capta claramente la espiral de violencia y venganza de la mafia corsa.
Bañada en miel y poblada principalmente por actores no profesionales, hay una creciente sensación de pavor melancólico que nunca se disipa, como si estuvieras viendo a criminales reales deambular y ocuparse de su día a día mientras una nube de tormenta invisible de muerte y destrucción se forma sobre su tranquilo pueblo pesquero.
A pesar de la tierna relación padre/hija en el centro de la trama, todavía queda una pregunta candente (aunque algo superficial, al menos para este género) para reflexionar una vez que termina: si naces en esta vida, ¿hay alguna esperanza de escapar? ¿O simplemente estás condenado a una rutina de proteger a quienes te rodean hasta que sea tu momento de recibir una bala?
Increíblemente realista, sin un momento demasiado largo, envuelta en empatía y sorprendentemente guionizada de principio a fin. En Anatomía de una caída, Milo cuestiona a los jurados diciendo que después de haber intentado con todas sus fuerzas saber cómo, lo importante es saber por qué.
El monólogo del padre en The Kingdom resume la respuesta a esta última pregunta en una escena impactante. Cada día se convierte entonces en un regalo inesperado en el que el miedo se transforma en dopamina, llevándose a su paso a varias generaciones afligidas.

Grand Theft Hamlet
Ser o no ser. Esa fue la pregunta a la que se enfrentaron tantos artistas en el apogeo de la pandemia de COVID (digamos que fue enero de 2021), cuando la crisis parecía que podría continuar eternamente y la ausencia de público amenazaba con socavar el espíritu creativo.
De repente desempleado e incapaz de mantener a su familia después de conseguir el papel más importante de su vida (el mago titular en la producción londinense de Harry Potter y el legado maldito), el actor británico Sam Crane no pudo evitar preguntarse, para citar a cierto príncipe danés, «si es más noble para la mente sufrir los golpes y flechas de la escandalosa fortuna, o tomar las armas contra un mar de problemas y, oponiéndose a ellos, acabar con ellos». Puede que Crane no compartiera la atracción de Hamlet por el suicidio, pero ciertamente consideró la idea de dejar descansar su carrera antes de que su promesa incumplida lo devorara vivo.
Y podría haberlo hecho de no ser por el día en que se topó con un anfiteatro vacío que pedía a gritos un espectáculo. Crane acababa de matar a golpes a un empleado del casino a puñetazos y luego de disparar a unos cuantos transeúntes al azar por si acaso (todos teníamos que desahogarnos de alguna manera), pero mientras huía del lugar a pie (con las sirenas de la policía a todo volumen tras él), su huida lo llevó directamente al Vinewood Bowl.
No era un suceso particularmente raro en el mundo violento y anárquico de Grand Theft Auto Online, pero lo que sucedió a continuación definitivamente lo fue: el avatar de Crane comenzó a recitar el soliloquio más famoso de Macbeth: «La vida no es más que una sombra que camina, un pobre actor que se pavonea y se inquieta durante horas sobre el escenario, y luego no se le escucha más. Es una historia contada por un idiota, llena de ruido y furia, que no significa nada». Y entonces alguien vino y lo mató.
Pero eso fue suficiente para plantar la semilla de una idea entre Crane y su amigo gamer Mark Oosterveen, un actor y asistente de dirección cuyos créditos incluyen de todo, desde comerciales de autos hasta un pequeño papel en Benediction, de Terence Davies: ¿por qué no poner en escena una obra de Shakespeare dentro del mundo del videojuego de Rockstar? Claro, la animación puede ser un poco rígida (Richard Burton nunca tuvo que interpretar al Bardo solo con emoticones), pero al menos sería más interesante que otra maldita lectura virtual por Zoom o lo que sea, y no es como si la gente estuviera disfrutando del teatro en vivo en ningún otro lugar.
Así comienza el hilarante e inesperadamente conmovedor Grand Theft Hamlet, un documental —filmado íntegramente dentro del mundo virtual de Grand Theft Auto Online— que devuelve a Shakespeare a su lugar legítimo en la intersección entre el arte elevado y el arte popular, y restaura una sensación palpable de peligro en una de las obras en idioma inglés más rancias, pero aun así más emocionantes jamás escritas. Es una gran película sobre cómo los videojuegos pueden unir a las personas, especialmente durante una época sombría.

Krazy House
La sinopsis de Krazy House, escrita y dirigida por Steffen Haars y Flip van der Kuil, parece la película perfecta de terror de medianoche para los fanáticos del género. La premisa inicial está pensada para burlarse de la locura de las comedias de situación de los años 90, con público en vivo en el estudio y una relación de aspecto acorde. Pero esa premisa rápidamente se sale de control, no en el buen sentido, y convierte el concepto de un cortometraje en una agotadora y escandalosa película de impacto vacío.
Tal vez haya algún comentario que extraer de la locura sobre la futilidad del cristianismo o «pensamientos y oraciones» ante la violencia extrema. Si somos generosos, hay una crítica leve a la idea de observar el horror desde una distancia segura sin molestarse en intervenir hasta que se estrella contra la puerta de tu casa. Pero los cineastas no parecen tener ningún hilo conductor o voz aquí, aparte de lanzar todos los chistes estrafalarios o asquerosos a la pared para ver cuál se pega.
En un intento de ofender y escandalizar al público con la mayor frecuencia y fuerza posible, Krazy House se limita a desensibilizarlo rápidamente a sus tácticas pueriles y grandilocuentes. El mordaz desmontaje de la comedia de situación que prometía se olvida en favor de algo más tonto. Nick Frost hace todo lo posible por mantener unido el concepto, pero sólo lo consigue en los últimos diez minutos, demasiado tarde para reparar el daño. Alicia Silverstone se juega la vida con una interpretación absolutamente disparatada de la esposa de la comedia de situación, pero, sobre todo, se trata de gritos estridentes.
Krazy House tiene en mente un público muy específico, el tipo de público al que no le importan los ejercicios huecos de impacto y el humor provocativo sin objetivo. Pero Krazy House parece una maratón irritante de excesos sin propósito, carente de humor efectivo. De alguna manera, hace que una duración de 86 minutos parezca una absoluta tortura.

Daniela Forever
La última de Nacho Vigalondo es una película ambiciosa que se derrumba bajo el peso de su propia premisa, y que se encuentra en algún lugar entre ¡Olvídate de mí!, de Michel Gondry, y Origen,de Cristopher Nolan, con matices de Dream Scenario, película que se pudo ver en el Festival el año pasado.
La fotografía trufada de cambios de formato, el montaje ordenado y el trabajo de efectos visuales fuera de lo común son grandes puntos fuertes y hacen gran parte del trabajo pesado para ayudar al público a comprender la narrativa y los temas de la película. Vigalondo es innegablemente un director técnico talentoso y un narrador visual con un peculiar sentido del humor.
Sin embargo, la frustración se debe más al guion y las actuaciones. La exposición del sueño lúcido es mucho más tediosa de lo que debería ser y su segundo acto se siente innecesariamente repetitivo después de un tiempo.
Beatrice Grannò, quien saltó a la fama con su papel en la segunda temporada de la aclamada serie The White Lotus está francamente bien (y su español es realmente bueno), pero desafortunadamente no tiene tanto que hacer como Henry Golding, quien está terriblemente mal elegido o mal dirigido, y su actuación no funciona en ningún momento. Su forma de declamar las líneas y sus reacciones pueden parecer sorprendentemente exageradas y poco convincentes, lo que en ocasiones te saca de la película.
A pesar de ello, existen muchas cosas disfrutables en Daniela Forever, y las imágenes asociadas con los sueños y la memoria se sienten lo suficientemente innovadoras como para ser una experiencia agradable, y además deja muchas ideas interesantes para que el público las pueda discutir a posteriori de su visionado.

Sister Midnight
«¿Por qué no puedes ser una persona como los demás?», le pregunta Gopal (Ashok Pathak) a su esposa en Sister Midnight, poco después de que los recién casados, de unos 30 años, hayan llegado a su nuevo hogar en Mumbai. Pero Uma (Radhika Apte) no es una esposa común. En el momento en que la joven llega a su futuro hogar, se da cuenta de que la vida doméstica no es para ella. Y es que Uma es una joven ingeniosa con una personalidad peculiar y desbordante.
Sabe exactamente quién es y no está dispuesta a cambiar por completo su identidad y verse relegada al papel de esposa. Ella no sabe cocinar ni cuidar una casa y está dispuesta a aprender, pero primero se sorprende y luego se frustra por la falta de interés de su marido en ella, tanto sexualmente como en términos de conocerla realmente. Sin embargo, no podemos culparla. No solo nuestros recién casados apenas se conocen, ya que este fue un matrimonio arreglado, sino que su esposo no parece estar interesado en ella en lo más mínimo.
Sister Midnight tiene algunos problemas de ritmo, particularmente en su parte intermedia, que es también cuando se vuelve un poco macabra. Hay un momento específico en el que el humor se vuelve más bestia, una decisión radical del director con la que puedes estar de acuerdo o no. Pero si aceptas pulpo como animal de compañía te divertirás mucho descubriendo exactamente en quién se convierte Uma, y la respuesta hace que la película sea un viaje que vale la pena contar.
Sister Midnight es una joya cinematográfica sin complejos que deberías buscar sin dudarlo, y un excelente trabajo de un director al que hay que seguir de cerca.
Escribe Francisco Nieto
