La hermanastra fea, mejor película
La 58ª edición de Sitges, Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, anuncia su esperado palmarés. La hermanastra fea, de Emilie Blichfeldt, ha logrado el premio a mejor película.
Por su parte, Park Chan-wook se lleva el premio al mejor director por No Other Choice y los ganadores a mejor interpretación son Rose Byrne, por Si pudiera, te daría una patada, y el reparto masculino de The Plague.
Palmarés completo de la sección oficial:
—Mejor película: La hermanastra fea (The Ugly Stepsister), de Emilie Blichfeldt
—Premio especial del jurado: ex aequo El furioso (The Furious), de Kenji Tanigaki, y Obsesión (Obsession), de Curry Barker
—Mejor dirección: Park Chan-wook por No hay otra opción (No Other Choice)
—Mejor interpretación femenina: Rose Byrne por Si pudiera, te daría una patada (If I Had Legs I’d Kick You)
—Mejor interpretación masculina: el reparto masculino de La plaga (The Plague)
—Mejor guion: Un fantasma útil (A Useful Ghost), de Ratchapoom Boonbunchachoke
—Mejor fotografía: Diego Tenorio por La virgen de la tosquera
—Mejor música: Yasutaka Nakata y Shouhei Amimori por Exit 8
—Mejores efectos especiales: Tenille Shockey y François Dagenais por Honey Bunch
Noves visions
—Mejor largometraje: ex aequo para Lesbian Space Princess (de Emma Hough Hobbs y Leela Varghese) y The True Beauty of Being Bitten by a Tick (de Pete Ohs)
—Mejor dirección: ex aequo para A Grand Mockery (de Adam C. Briggs y Sam Dixon) y Transcending Dimensions (de Toshiaki Toyoda)
—Mejor cortometraje: Monstruo Obscura, de Hong Seung-gi
Blood Window /Òrbita
—Mejor película: Blood Window: No dejes a los niños solos, de Emilio Portes
—Mejor película Òrbita: The Forbidden City (La città proibita’, de Gabriele Mainetti
Méliès d’Or
—Méliès de Oro a la mejor película: Mr. K, de Tallulah H. Schwab
—Méliès de Oro al mejor cortometraje: Don’t Be Afraid, de Mats Udd
—Méliès d’Argent a la mejor película: Feels Like Home, de Gábor Holtai
—Méliès d’Argent al mejor cortometraje: El fantasma de la quinta, de James A. Castillo
Anima’t
—Mejor largometraje: Lesbian Space Princess, de Emma Hough Hobbs y Leela Varghese
—Mejor cortometraje: Luz diabla, de Gervasio Canda, Paula Boffo y Patricio Plaza
Brigadoon
—Premio Brigadoon Paul Naschy al mejor cortometraje: Floor, de Jo Bareun
Crítica
—Premio de la crítica José Luis Guarner al mejor largometraje de Sección Oficial: ex aequo para La vida de Chuck (de Mike Flanagan) y Reflection on a Dead Diamond (de Hélène Cattet y Bruno Forzani)
—Premio Citizen Kane al director revelación: Ratchapoom Boonbunchachoke por Un fantasma útil
—Premio al mejor cortometraje SOFC: ‘The Man That I Wave At’, de Ben S. Hyland
Carnet Joven
—Mejor película Sección Oficial a Competición: Obsession, de Curry Barker
—Mejor película Sitges Documenta: Endless Cookie, de Peter Scriver y Seth Scriver
SGAE nueva autoría
—Mejor dirección: Furia, de Fran Moreno Blanco y Santi Pujol
—Mejor guion: Furia, de Fran Moreno Blanco y Santi Pujol
—Mejor música original: Matcha, de Sergio Rojas
Público
—Premio del público de SOFC: Obsession, de Curry Barker
Últimas películas vistas en Sitges 2025:
La sonrisa del mal (The holy boy)
Empieza con una idea muy potente, y luego le da muchas vueltas para acabar abandonándola del todo. Un chico de quince años consigue aliviar el dolor ajeno dejándose abrazar. El lugar donde vive acaba de recuperarse de una tragedia ferroviaria y muchas familias están de luto. La presencia del chico es vital para los habitantes del valle, pero se ha convertido en un fetiche con una fuerte carga religiosa.
La historia de un pueblo que se reúne literalmente en torno al cuerpo de un adolescente al que consideran una especie de santo, a su pesar, capaz de absorber su dolor, no sin desagradables consecuencias físicas, devolviéndole la sonrisa, se vive a través de una puesta en escena precisa y eficaz a la hora de describir las provincias italianas. La llegada de este suplemento lo trastoca todo. El chico toma consciencia de sí mismo. Los aldeanos empiezan a mostrar diversos signos de desequilibrio y todo se desmorona. Se disfruta mucho el ambiente friulano y la crítica a la religión que impregna la vida de los lugareños.
Los momentos más polémicos entre adolescentes son bastante incómodos de digerir. Obviamente, hay acoso escolar, porque parece que no se puede hacer una película sobre adolescentes sin tocar ese aspecto. El descubrimiento de la sexualidad por parte del chico también es uno de los momentos incómodos.
El guion afina la historia, tomándose su tiempo y presentando cada personaje con la debida profundidad, casi como spin-offs individuales (por ejemplo, el papel del posadero interpretado por Romana Maggiora Vergano), para introducir gradualmente al espectador en un mundo ambiguo e inquietante, acelerando el ritmo en la parte final de la película, excesiva (¡hurra!) y explosiva.
De todas maneras, pensamos que dos horas son demasiado para una película como esta, ya que en muchos momentos carece de la tensión que merecería la magnitud de las estampas costumbristas que se nos presentan.
My daughter is a zombie
Hasta donde sé, Mi hija es un zombi no tiene ninguna conexión con Mi vecino zombi, una de mis películas favoritas del género, que también es de Corea del Sur, pero me gusta por una de las mismas razones que la otra: los cineastas se niegan rotundamente a aprobar la solución de una crisis sanitaria con armas, algo a lo que incluso las personas mejor intencionadas en otras películas de zombis encuentran difícil resistirse.
La película comienza con Lee Jeong-hwan (Jo Jung-suk), un antiguo cuidador de zoológico y entrenador de animales grandes, que regresa a casa de su familia en el pintoresco pueblo de Eunbag-Ri para saludar a su hija Su-ah (Choi Yu-ri), quien, como pronto se nos muestra y se nos informa, es probablemente la última zombi de Corea del Sur.
Como la mayoría de las chicas de 15 años, su padre le parecía un poco incómodo y molesto, aunque compartía su pasión por el baile, pero fue mordida mientras huían de Seúl durante el brote zombi. Ya se había transformado para cuando llegaron a Eunbag-Ri, pero ni su padre, su abuela Kim Bam-soon (Lee Jung-eun), ni Cho Dong-bae (Yoon Kyung-ho), el viejo amigo de Jeong-hwan, tuvieron la fuerza para sacrificarla.
Lo que pronto descubrieron fue que, al parecer, los infectados como Su-ah responden a los recuerdos de sus vidas pasadas, así que hacen todo lo posible por ayudarla a resistir sus nuevos instintos salvajes. Por otro lado, Shin Yeon-hwa (Cho Yeo-jeong), el primer amor de Jeong-hwan, la maestra de la escuela local y, tras tener que sacrificar a su prometido, la mejor cazadora de zombis de la región, no está dispuesta a ayudar.
No sé cuántas películas basadas en webtoon he visto, pero esta parece la película más basada en ellos que puede haber. Existe una estructura episódica que parece construida para no terminar nunca, pero que tampoco te deja completamente en vilo si se detiene. No es una crítica, necesariamente, pero el filme se siente 90% premisa, 10% trama, comprometido con la idea, pero con contenido para divagar sin preocuparse por rellenar huecos.
Aun así, está bien; los cineastas capturan cómo los cómics diseñados tienen un ritmo relajante incluso cuando los eventos son tensos, y traducen bien las transiciones y el estilo a la acción real. Estoy bastante seguro de que el caricaturista del parque de atracciones es el artista original, lo que sería un acierto absoluto.
Además, cuenta con un reparto bastante agradable que interpreta a personajes que rara vez lamentas ver en pantalla: los adultos son afables y divertidos, aunque tienden a mantener cierta tensión inherente a ocultar a Su-ah; Cho Jung-seok parece más comprometido a medida que avanza la película y se revela más trasfondo, mientras que Lee Jung-eun da profundidad a la abuela alcohólica que normalmente sería un personaje cómico, y Cho Yeo-jeong ve cómo una amenaza potencial puede ser divertida.
Me gusta tanto la Su-ah de Choi Yu-ri que desearía haberla visto mayormente como una niña normal, aunque sospecho que la pantomima que hace como zombi es algo difícil de lograr. El guion menciona la palabra «zombi» constantemente, pero no considera las reglas de Romero como necesariamente definitivas (de hecho, la idea general es que están diseñadas para obligar a la gente a actuar con crueldad en lugar de cuestionarla). Los cineastas son bastante buenos al equilibrar el absurdo adorable y el peligro.
Redux Redux
Redux Redux es el tipo de película de género que, sin duda, una busca con afán en los festivales: acción de ciencia ficción de calidad y concisa que se asegura de ofrecer lo mejor desde el principio y mantiene un ritmo impresionantemente constante durante toda la película. Da algunos giros interesantes y edifica su propio universo sin perder de vista su objetivo último.
Comienza de forma provocativa, con Irene Kelly (Michaela McManus) asesinando a un hombre (Jeremy Holm) de forma diseñada para hacerle sufrir, antes de que el último asesinato salga mal y la lleve a liderar a la policía en una persecución desesperada antes de poder regresar a su habitación de hotel, donde tiene lo que parece un ataúd steampunk. Es una máquina para saltar entre realidades, y lleva tiempo haciéndolo, eliminando a cada versión del asesino en serie que mató a su hija y a otras 11 chicas.
Esta vez, sin embargo, algo es diferente: llega justo a tiempo para encontrar con vida a su decimotercera víctima, Mia (Stella Marcus), y la astuta huérfana quiere su parte de la venganza incluso antes de descubrir el secreto de Irene.
La película, en general, consigue ser muy divertida sin abandonar una trama sombría; la búsqueda de un universo a menudo implica que las escapadas por los pelos van seguidas de entradas incómodas, y los cineastas Kevin y Matthew McManus encuentran la manera de suavizar las situaciones difíciles al encontrar lo absurdo en los encuentros de Irene con personas y lugares nuevos, aunque en realidad no sean tan novedosos. Nunca es algo que desconcierte al espectador, sino que facilita el proceso y le recuerda que aún queda una chispa de humanidad en Irene y Mia, a pesar de sus misiones de venganza autoimpuestas.
La trama también es dinámica, ofreciendo acción rápida que encuentra nuevas formas de desafiar a Irene, aunque el público es consciente de la salida de emergencia, redoblando la apuesta y añadiendo mitología de una manera que no distrae ni disminuye lo que ya había sucedido. El final vuelve al principio, pero también muestra cómo Irene ha expandido sus intenciones.
Es un buen trabajo sin ser excesivamente ostentoso, muy similar al primer Terminator: una premisa de ciencia ficción simple pero impactante que se presta a la acción a escala humana y se eleva gracias a una ejecución sólida.
Night Patrol
Estamos ante una película de medianoche sobre cultura, limpieza étnica y corrupción sistémica con una mordacidad feroz, que utiliza tropos de terror directos para contar una historia apasionada en nombre de las personas que se convierten en blanco de ataques solo por el color de piel.
Jermaine Fowler interpreta a Xavier Carr, un exmiembro de la pandilla Crip convertido en agente del Departamento de Policía de Los Ángeles, quien escapó de las calles para intentar proteger a su gente. Justin Long interpreta a su compañero, Ethan Hayworth, un veterano militar condecorado que acaba de ser ascendido a la Patrulla Nocturna que da título al filme.
Xavier no puede evitar sentir celos: La Patrulla Nocturna son los peces gordos con los que todo policía quiere liarla. Pero Ethan tiene otras motivaciones, ya que su padre fue asesinado durante su servicio. Ethan planea infiltrarse en dicha patrulla para ver qué pasa realmente con el grupo después del anochecer.
Night Patrol es una historia de género extremo que trata sobre monstruos en el sentido más literal del término, no solo demonios comunes que se esconden tras sus placas. Lo que se presenta como una historia similar a la de Training Day (Día de entrenamiento), está llena de oscuros secretos y conspiraciones disparatadas que cobran vida de formas innecesariamente violentas.
Tiene el mismo impacto que el segmento V/H/S/94 de Prows, Terror, en cómo el innegable elemento de criatura que se insinúa es, de hecho, lo que provoca horrores inconmensurables, excepto que esta vez, hay incluso más villanía disfrutable dada la inclusión del cuerpo de policía.
La larga marcha
Este año, los fans de Stephen King están de enhorabuena. La brutalmente divertida The Monkey, sobre un mono de juguete mortal, inauguró el año. La vida de Chuck, una maravillosa carta de amor a la vida, por muy triste que a veces sea, ya se ha podido ver en Sitges y llegará muy pronto a los cines de nuestro país. Running Man, una nueva versión de la película de culto de 1987 sobre un hombre que participa en una serie de televisión y lucha por su supervivencia, se estrenará también en los próximos meses.
Mientras tanto, La larga marcha, otra lucha por la supervivencia con una larga historia, ha fijado su estreno para el 21 de noviembre. La novela en la que se basa se publicó en 1979 y fue el sexto libro del autor. Ya se había considerado una adaptación en la década de 1980. Los derechos cinematográficos finalmente se adquirieron en 2007, pero eso tampoco sucedió. Se consideraron varios directores en un momento dado, y hubo algunos problemas iniciales.
La película se acerca por momentos más a Cuenta conmigo que a otras adaptaciones de King, ya que vemos cómo se desarrollan la amistad y la camaradería mientras recorren el tormentoso camino que los ha de llevar a la gloria.
De hecho, el atractivo de la película reside precisamente en sus personajes, ya que busca encontrar la humanidad tras el horror y los corredores se apoyan mutuamente a pesar de ser competidores que dependen de la muerte de los demás. El resultado es una mezcla única de drama y batalla campal, difícil de encasillar en un género específico. Pero es una mezcla que vale la pena ver, y que además cuenta con un sólido reparto.
Por supuesto, no hay tiempo para dar mucha personalidad a todos los participantes. Algunos tienen que conformarse con un solo rasgo o tema. Y, sin embargo, es mérito de la película que uno se sienta como si estuviera tratando con personas reales, razón por la cual la mayoría de las pérdidas son realmente conmovedoras y por la que, entre las muchas pesadillas de King, La larga marcha es una de las peores.
Dracula: A Love Tale
Aunque carezca de rigor dramático y estético, nos hallamos ante una película que logra repetidamente crear imágenes impactantes. En una época en la que incluso los temas fantásticos suelen caer en un realismo desacertado, esto resulta refrescante.
Los actores no lo tienen fácil con la dirección, bastante indisciplinada. Landry Jones, al menos, se adapta bien al ritmo inconexo de la película a lo largo de la trama, aunque no logra destacar en ningún momento en el papel principal. Los intereses amorosos son insignificantes. Christoph Waltz, sin embargo, como el sacerdote y doble de Van Helsing, resulta convincente en uno de sus mejores papeles en mucho tiempo.
Aquí, el dos veces ganador del Oscar (Malditos bastardos, Django desencadenado) se presenta como un Lord inglés caído en una cueva continental de iniquidad y sin saber si unirse, disfrutar o escabullirse discretamente. A pesar de las escenas sangrientas y las imágenes extrañas, Drácula, de Besson, no es una película particularmente aterradora.
Al igual que Coppola, el tema de Besson es el amor que trasciende fronteras y tiempo, y lo explora —a pesar de las debilidades de la trama— con seriedad, emotividad y pasión. Es precisamente este tipo de pasión casi ingenua, sin malicia, lo que hace que su película merezca la pena verse a pesar de todos sus defectos y demuestra que temas y preguntas fundamentales pueden incorporarse en películas de género vibrantes y llenas de travesuras imaginativas.
Buffet Infinity
La brillantez de Buffet Infinity reside en su estructura. El director, Simon Glassman, construye la narrativa a través de cientos de anuncios televisivos de bajo presupuesto, estilizados y ficticios. En esencia, instrumentaliza la banalidad de las pausas publicitarias locales, convirtiéndolas en un motor narrativo.
Cada clic nos acerca a algo inexplicable, y cada infomercial funciona como una migaja de pan narrativa. Las transiciones entre aspirantes a abogados de primera línea, presentaciones exageradas de productos y anuncios de comida no son solo divertidas: son pistas y, a veces, advertencias.
El elenco, compuesto por talentos como Kevin Singh, Claire Theobald, Donovan Workun y Allison Bench, se adentra en el absurdo con una convicción que dificulta aún más la comedia. Theobald, en particular, tiene una presencia magnética, incluso cuando su personaje aparece en pantalla solo por breves instantes.
Pero lo que une todo esto es la presencia de un espectador anónimo que cambia de canal. Esta figura es nuestro sustituto, la lente a través de la cual experimentamos el desmoronamiento del condado de Westridge. Su cambio pasivo de canal refleja una crítica más amplia de nuestra insensibilidad a todo, desde el desastre hasta la publicidad, y de la frecuencia con la que la línea entre ambos es increíblemente delgada.
El filme poco a poco se convierte en una obsesión, un agujero negro de marca y deseo. Hay un trasfondo lovecraftiano en cómo se filtra en cada programa, cada anuncio, cada persona. Lo que Glassman captura no es solo comedia, sino un comentario psicológico sobre la cultura del consumo, la sobrecarga mediática y la decadencia de la identidad comunitaria a través de la mercantilización.
En manos menos capaces, esto podría haberse convertido en una serie de sketches inconexos. En cambio, forma un arco claro y espeluznante que se convierte en algo inquietante e inolvidable.
The old woman with the knife
Una mujer embarazada es acosada por un hombre grosero en el metro. Incluso cuando la insulta y la golpea, a ninguno de los numerosos pasajeros se le ocurre intervenir. Pero un minuto después, el hombre yace muerto en el andén. El hecho de que la anciana Hornclaw (Lee Hye-yeong), vestida con un sombrero flexible y gafas de sol, sea la responsable de su muerte se pierde en la conmoción.
Al parecer, chocó con el matón por casualidad, con la intención de apuñalarlo con la punta de su cuchillo envenenado. No fue un capricho, sino un plan sofisticado, ejecutado con fría profesionalidad.
Hornclaw trabaja para una autoproclamada organización benéfica que busca erradicar al mundo de la maldad mediante asesinatos a sueldo. Los puntos fuertes de la empleada de mayor edad son sus asombrosas habilidades en el combate cuerpo a cuerpo y su férrea disciplina.
Para realizar su trabajo con la mayor eficiencia posible, renuncia a cualquier vida social. Y se beneficia de su engañosa apariencia, que parece inusualmente frágil para una mujer de sesenta y pocos años. Ella explota repetidamente este elemento sorpresa antes de poner a sus oponentes en su lugar con unos pocos movimientos decisivos o incluso enviarlos directamente al más allá.
Con sus principales producciones de género, el cine surcoreano se ha convertido en un sello de calidad. Muchas de sus características también se pueden encontrar en esta: imágenes brillantes, cámara en movimiento, escenas de lucha escalofriantes, iluminación expresiva y emociones intensas. Pero estas características a veces se convierten en clichés. Muchos giros y revelaciones, así como trucos estéticos, parecen un poco formulistas, y los hemos visto demasiadas veces.
Hace dos años se estrenó Kill Boksoon, una película de acción surcoreana sobre una madre soltera que, debido a un conflicto moral, se enemista con sus clientes. Presenta sorprendentes paralelismos con la película de Min Kyu-dong, tanto en contenido como en imágenes.
Find your friends
Un thriller frenético protagonizado por un grupo de chicas en un viaje de fiesta a Joshua Tree. Tras una experiencia traumática, la indecisión de Amber aumenta ante las fiestas constantes y las situaciones precarias, lo que lleva a circunstancias violentas y a la agitación en el grupo de amigas. Ella destaca la facilidad con la que las cosas pueden salir mal mientras las mujeres se ven envueltas en la bebida, las drogas y el sexo que acompañan en la actualidad a las fiestas de la Generación Z.
Su comportamiento juerguista resulta mucho más peligroso cuando hay menos testigos presentes para prevenir el devenir depredador y violento de hombres perversos en este remoto pueblo. El filme desarrolla metódicamente este comportamiento problemático y lo frena en momentos clave, lo que deja suficiente espacio para comprender el trauma de Amber y su justificada paranoia, que a menudo se minimiza con manipulación psicológica.
Los impactantes momentos en que estas amigas logran resolver la tensión y mantenerse firmes son donde el público percibe la violencia brutal y arraigada de la película, lo que conduce a una conclusión satisfactoria.
En general, Find your friends ofrece una interesante inmersión en el mundo moderno de la diversión y los elevados riesgos que conlleva ese estilo de vida. Si bien la caracterización no siempre es equitativa, la guionista y directora Izabel Pazkad crea una excelente camaradería a través del grupo de mujeres de espíritu libre de su película, lo que no solo genera una satisfacción cinematográfica brutal, sino que también resalta la importancia de comprender el trauma ante un peligro potencial.
Escribe Francisco Nieto | Fotos Sitges 2025
