Por primera vez en Sitges
Un nombre propio ha cobrado protagonismo en estas últimas jornadas de un Festival que ya ha traspasado su ecuador. Nos referimos a la mega estrella británica Benedict Cumberbatch, quien ha visitado Sitges para presentar uno de sus últimos trabajos para la gran pantalla: Esa cosa con alas.
Actor de televisión, teatro y cine, saltó a la fama por dar vida a Stephen Hawking en 2004, aunque su primer papel icónico fue el de Sherlock Holmes en la serie de la BBC. Nominado dos veces al Oscar, cuatro al Globo de Oro y ocho en los BAFTA, ganó un Emmy por el episodio de Sherlock: His Last Vow (2014). Es mundialmente conocido por sus roles fantásticos: en el universo Marvel es Doctor Strange y en Star Trek interpretó a Khan. Considerado como uno de los actores más respetados de su generación, ha trabajado a las órdenes de autores como Danny Boyle, Jane Campion o Wes Anderson.
En esta edición se le otorgó el Premio Máquina del Tiempo por su trayectoria en el mundo del cine de género.
Otros galardonados a su vez en estos últimos tres días han sido el actor francés Dominique Pinon, a quien todos recordarán por su papel en clásicos como Amelie o Delicatessen, quien recibió el Premio Meliés a su carrera y el director inglés Ben Wheatley, un habitual del Festival y autor de filmes como Kill List o Sightseers, quien recibió también otro Premio Máquina del tiempo.
Lesbian Space Princess
Esta pequeña película lésbica, tonta, brillante, sangrienta, llena de tetas, sucia y mágica, va a significar mucho para mucha gente. Es agradable sentir cada toque de comedia bizarra que ofrece en grandes dosis. Ya era hora de que en una película de animación sobre lesbianas puedan verse a sí mismas siendo grandes, atrevidas y con un toque genial.
Pero a pesar de lo mucho que una pueda llegar a divertirse con la película, no se puede evitar cuestionar las políticas de la película en torno al género, los genitales y la raza. Usar imágenes de penes y vaginas para distinguir a los malvados maliens blancos heterosexuales de la princesa lesbiana del espacio solo funciona si la sátira es abierta y el comentario conciso, y no creo que el equipo haya dado en el clavo en este punto.
El enfoque en torno a la drag queen negra y la trayectoria de ese personaje parece igualmente desacertado. No creo que las realizadoras hubieran tenido malas intenciones al hacer esto, pero creo que, en un mundo en el que los derechos de las personas trans están bajo ataque, debemos ser mucho más cuidadosos con la forma en que hablamos sobre el género en la pantalla, especialmente en películas queer que, por lo demás, son animadas y brillantes.
Puede que esta película sea demasiado nicho para tener un estreno en cines, pero me alegra mucho que exista y se haya podido disfrutar en el Festival.
Another World
Una especie de gran lavadora de Hong Kong, donde épocas y dimensiones colisionan durante casi dos horas, Another World sigue las tribulaciones de un pequeño espíritu encargado de velar por las almas humanas e impedir que se transformen en demonios sedientos de sangre.
Entre voces en off explicativas e intercambios inoportunos, da la sensación de varios episodios de una serie condensados en un largometraje repleto de acción. La laboriosa narración se convierte en la pesada contraparte de una serie de escenas fantásticas dispares (panoramas de limbo rojo sangre y azul celeste, funerales reales e incluso enfrentamientos contra monstruos gigantes), pero francamente dantescas.
Si bien la intrincada estructura del cuento de hadas metafísico de Tommy Kai Chung Ng a veces distrae de los aspectos centrales de la historia, esta aventura cinematográfica se considera menos una narrativa clásica que una contemplación existencialista.
Una fusión estética y estilísticamente sofisticada de fantasía, drama y espiritualidad, reconoce el potencial destructivo de los pensamientos y sentimientos agresivos sin condenarlos. Más bien, la esperanza surge al comprender y procesar lo reprimido: un rayo de esperanza en la animada travesía nocturna que la heroína infantil emprende junto a su compañero fantasmal.
Fucktoys
Fucktoys no pierde el tiempo. La película se lanza desde sus primeros minutos a un vibrante viaje iniciado por su secuencia inicial, ambientada en un pantano de Luisiana, donde las cartas de su trayectoria narrativa están, literalmente, sobre la mesa: una clarividente (Big Freedia) adivina en una lectura de tarot la imposición de una grave maldición sobre la protagonista AP (Annapurna Sriram), una trabajadora sexual de corazón tierno que intentará amasar, a través de una odisea picaresca, los mil dólares necesarios para pagar el ritual que contrarrestaría la inquietante condenación causada por esta «gran maldición sexy» (por usar las palabras de otra clarividente con la que nos topamos más tarde).
Esta ópera prima de Annapurna Sriram es el tipo de obra que nos atrapa y nos obliga a seguir, con una sonrisa en los labios, la visceral y viscosa progresión de sus malignas y orgiásticas aventuras, siempre impulsadas por un cautivador principio de placer, ya sea erótico o estético, como lo sugiere la innegable belleza plástica de su 16 mm imita a la perfección la pátina de los años setenta de sus referencias a la explotación sexual.
Fucktoys es muchas cosas: descarada, directa, vulgar, excitante e implacable. El paralelismo con John Waters es demasiado simple. Annapurna Sriram tiene una voz única. La fotografía en celuloide es impresionante y encaja a la perfección con la historia. Las actuaciones son excelentes de principio a fin, pero el protagonista es especialmente impresionante. El clímax carece de energía y algunas escenas son demasiado largas, pero esto no afecta mi disfrute total.
Es increíblemente inspirador ver una película independiente, de micropresupuesto y tan bien hecha, de un guionista, director y actor, tan completa y, de alguna manera, rodada íntegramente en 16 mm. Confío en que será el tipo de película que la gente ve con amigos en una habitación y que define su gusto, como lo hizo John Waters para mucha gente, pero espero que todos tengan la oportunidad de verla en pantalla grande y con público.
Hammer: Heroes, legends and monsters
Con 90 minutos para analizar décadas de importante historia cinematográfica, este solo puede ser un recorrido rápido por los puntos destacados. Hay muchos clips del catálogo, pero tiene una forma extraña de usarlos. Un orador invitado o el narrador principal expondrá un punto, luego un clip repetirá el mismo punto. Ejemplo: [Narrador] «…el resultado sorprendió a todos». [Clip] «Eso fue una sorpresa».
Después de un tiempo, el chiste se desgasta y te das cuenta de que está sumando tiempo en pantalla que podría haberse aprovechado mejor. Dicho narrador es Charles Dance, a quien alguien acertadamente consideró un primo cercano de los tonos de Christopher Lee.
En cuanto a los oradores invitados, si bien el contenido y los comentarios siempre son relevantes, ¿nadie puede hablar durante más de diez segundos? Está organizado de manera que se obtiene una cronología de la historia del estudio de principio a fin, y se hace con reverencia y honestidad. Solo desearía que algunos de los invitados pudieran rememorar extensamente películas específicas o aspectos que recordaron.
En cambio, el montaje es tan rápido que a menudo se editan tres invitados juntos para que se entienda una sola frase o punto. Como sospechaba, apenas se puede extraer nada sustancial de Tim Burton. Mientras que tanto John Landis como Joe Dante, expertos reconocidos en la materia, podrían haber sido los presentadores de la mayor parte del documental.
Estoy totalmente de acuerdo con que Hammer vuelva de la tumba. Y con todos los medios empleados para difundir el mensaje tanto sobre el futuro como sobre el pasado. La triste realidad que este valioso e irregular documento ilustra sin decirlo que, en lo que respecta al pasado, los principales actores de Hammer llevan tiempo muertos y enterrados.
The Python hunt
Una clase magistral de narrativa documental, una película llena de bichos raros descomunales que deslumbran con su encanto en sus salvajes excentricidades. Anna, la abuela de 82 años bebedora de ginebra que solo quiere vivir su mayor sueño: matar una pitón y despellejarla. Es una anciana dulce, pero al no encontrar ninguna, parece cada vez más peligrosa. Hay un plano desde abajo donde pide poder aniquilar la pitón de otra persona, y es glorioso: un brillo asesino, casi lujurioso, en sus ojos.
La emparejan con lo que parece ser un cazador muy sureño que revela sus profundidades ocultas como un periodista maravillosamente poético, y poco a poco, pierde la cabeza intentando cumplir el sueño loco de esta mujer. Apocalypse Now, pero con pitones, con secuencias oníricas y vibraciones alucinatorias. El clímax de su hilo argumental es un suceso histórico, una de las cosas más disparatadas y cinematográficas que uno pueda haber visto en cualquier documental.
En el camino, también conocemos a un divertidísimo impostor de San Francisco que se afeita constantemente para parecer más sureño, un festival de caza de pitones y todo tipo de bichos raros que intentan matar tantas serpientes como sea posible para salvar Florida. Pero la película también examina la inutilidad de la caza de pitones, una falsa bandera para distraer del caos ambiental, una táctica burocrática. Durante un rato, la película parece abogar por esta parte más crítica con el medio ambiente, pero el clímax que une las dos ceremonias, una seria y la otra macabra, sangrienta y obscena, sugiere que nada de esto tiene un valor real.
O quizás debamos fijarnos en la escena anterior, donde estos personajes raros se reúnen para una última barbacoa. Nadie conocido gana (no es un spoiler), así que ¿por qué no cocinar la última pitón y comerla juntos? Al fin y al cabo, son una especie de familia improvisada, una locura colectiva particularmente estadounidense; una peculiar tradición valiosa por ser una actividad social para estas personas profundamente extrañas pero muy adorables.
A Grand Mockery
A Grand Mockery es absorbente mientras se siente como un pseudodocumental en 8 mm, pero en cuanto intenta ser transgresora o experimental conscientemente, empieza a resultar un poco tediosa. Los cineastas tienen una visión, pero no es necesariamente clara.
Sigue a Josie (Sam Dixon), a quien inicialmente se ve caminando por un cementerio de Brisbane, aparentemente uno de los pocos espacios verdes de la ciudad y una especie de red postal donde la gente deja mensajes y se reúne. No hay mucho que hacer en la ciudad: las cosas van bien con su novia, el padre al que atiende es casi siempre indiferente, y su trabajo en un cine consiste en limpiar los desastres desagradables que dejan los clientes o intentar controlar su obstinación. Esto lo desgasta, tanto físicamente como en las notas cada vez más desquiciadas de corresponsales posiblemente imaginarios.
El desgaste no se hace notar en el público hasta las escenas finales de la película. Hasta entonces, incluso los momentos que rozan lo grotesco y la desesperación se sienten inmediatos y sinceros: el retrato de un hombre en un lugar donde sus instintos artísticos parecen incapaces de llevarlo a ninguna parte, el cementerio aparentemente como la única fuente de tranquilidad. Las drogas y el alcohol lo aceleran, pero sobre todo se ve una situación en la que la gente se deprime porque no parece haber movilidad. Josie no parece necesariamente inclinado a ganarse la vida con sus dibujos y cosas así, pero no los comparte y parece no tener otra vía para expresarse.
El final, sin embargo, es interminable. Los cineastas saben captar la atención del público por un rato: el cabello cada vez más desaliñado de Josie oculta cómo algún problema de salud distorsiona su rostro hasta que termina en un extraño bar que quizá solo tenga una conexión fugaz con la realidad.
En ese punto, la película empieza a insistir más allá de cualquier objetivo, prolongando su grotesquería hasta que Josie se convierte en un desastre borracho y distorsionado. Me parece justo, supongo; ahí es donde terminan las vidas de silenciosa desesperación, pero con el tiempo, los cineastas han erosionado gran parte de la buena reputación que la película se había ganado.
The Plague
The Plague es un estudio sorprendentemente matizado de los horrores inherentes a la antropología adolescente. Lo que distingue a esta narrativa de transición a la edad adulta de tantas otras es la precisión letal con la que retrata los arquetipos sociales familiares a través de su increíble elenco y detalles auténticos que los hacen dolorosamente realistas. Si a esto le sumamos la mirada segura y la sutil estilización del director Charlie Polinger, tenemos una de las mejores óperas primas de los últimos tiempos.
Lo que hace a The Plague tan poderosa es que desmonta por completo los clichés de una historia de transición a la edad adulta. Esta no es una película sobre aprender más sobre uno mismo y el mundo, ni sobre forjar amistades. Trata sobre la guerra absoluta que supone la adolescencia temprana y la facilidad con la que uno puede verse envuelto en una espiral de decisiones equivocadas.
Esta es una película sobre lo fácil que es convertirse en un marginado; cómo las palabras hirientes de un interrogatorio grupal pueden cambiarte rápidamente; cómo las decisiones, incluso las tomadas con buen corazón, pueden volverse en tu contra; cómo el niño raro no siempre es simplemente incomprendido, sino que a veces es simplemente un niño realmente raro; cómo no todos los adultos son útiles, y algunos son francamente dañinos con su ignorancia; y cómo la vida a veces te patea, una y otra vez, y tú sólo tienes que esperar a no desfallecer del todo.
Definitivamente, es difícil de ver en algunos momentos porque, después de todo, son solo niños, pero es un problema al que todos, alguna que otra vez, nos hemos visto enfrentados. Una muy buena película.
Luger
Hace dos años, Os reviento revitalizó el cine pulp ibérico con una energía desenfrenada y comunicativa que había estado prácticamente ausente en la producción nacional de cine de acción. Su protagonista, Mario Mayo, regresa este año con Luger, una película diferente que fusiona la acción con una narrativa más cercana al thriller, abordando tanto las dificultades pasadas como presentes del país, a la vez que ofrece un viaje provocador por las peligrosas zonas industriales de Madrid.
Rafa y Toni son dos intermediarios que se ganan la vida haciendo pequeños trabajos intimidando a la gente. Un día, reciben el encargo de recuperar el coche de un empresario, pero encuentran una pistola Luger robada de la Segunda Guerra Mundial en el maletero. El arma se convierte rápidamente en objeto de una sangrienta persecución.
Para su ópera prima, el director Bruno Martín apuesta por la estética del thriller: una combinación de estilo cinematográfico naturalista y un dúo de actores con caras de cine. David Sainz y Mario Mayo son robustos, carismáticos y perfectos para el trabajo. Su presencia física se convierte inmediatamente en un elemento central de las decisiones de encuadre de Martín.
Si bien la película contiene bastantes configuraciones convencionales de plano/contraplano, también opta a menudo por retroceder para que los actores aparezcan de cuerpo entero en el encuadre (incluso en las escenas con diálogos) o prescindir temporalmente de los cortes para ofrecer tomas largas y vertiginosas que pasan fluidamente de un personaje a otro, convirtiendo las conversaciones en un hervidero de tensión.
¿Te has preguntado alguna vez cómo sería un thriller urbano descarnado si se ambientara en Madrid y tratara la violencia de forma realista? Pues sería como Luger: ingenioso, un poco impredecible, brutal y, en definitiva, un poco desesperanzado.
Reflection in a dead diamond
Si la calificación de esta película se basara únicamente en su apartado técnico, probablemente le daría cinco estrellas. El thriller de espías de los años 70 con homenaje a la estética giallo incluida satura cada rincón de cada fotograma.
La tecnología y los artilugios de espionaje de inspiración retro son de lo más atractivo que uno ha visto en una producto de este estilo. Las tomas reflejadas y las dioptrías divididas refuerzan el ambiente italosetentero y se ven preciosas en la pantalla grande. Existe una abundancia de asaltantes con guantes y máscaras, quizás demasiados. Máscara tras máscara tras máscara. Estamos hablando del nivel de Misión: Imposible 2.
Ciertamente, se supone que eso forma parte del cariñoso homenaje; sin embargo, hace que la película se convierta en un ejercicio un poco enrevesado y difícil de seguir, al menos a primera vista. Y dura menos de una hora y media, pero al salir del cine, habría jurado que habían pasado dos horas.
No he visto otras películas de Cattet/Forzani, pero definitivamente me ha dado curiosidad por ver más. Una película muy estilizada, que definitivamente vale la pena explorar solo por el continente.
Escribe Francisco Nieto
