Cine europeo de calidad a nuestro alcance

En este artículo vamos a comentar algunas de las películas integradas en la Sección Oficial de la última edición del Festival de Cine de Sevilla, específicamente aquellas que han sido premiadas. En algunos casos se trata de óperas primas; todas ellas se estrenarán en salas comerciales los próximos meses.

Hablamos de films de autor que tienen en común aspectos como la experimentación de nuevas formas de narrar y su interés por acercarnos a temáticas actuales de maneras alternativas, buscando transmitir a los espectadores puntos de vista poco convencionales. Con ellas nos invitan a reflexionar de una manera crítica sobre los temas y las historias que nos proponen.

We believe you (Yo te creo)

Ha ganado el Giraldillo de Oro a la mejor película en el festival. Se trata de una ópera prima dirigida por los belgas Charlotte Devillers y Arnaud Dufeys. También ha sido reconocida con una Mención Especial a la mejor ópera prima en el Festival de Berlin. También en Sevilla ha recibido los premios al guion y actriz (Myriem Akeddiou).

La historia que nos propone transcurre casi en su totalidad en el espacio de un despacho de los juzgados de familia, rodada casi en tiempo real, donde asistimos a una sesión ante una jueza que debe dirimir la disputa de una pareja divorciada por la custodia de sus hijos.

A destacar el apartado interpretativo, el personaje de Alice (Myriem Akheddiou) y su exmarido el Sr. Gossens (Laurent Capellut) al que solo se conoce por el apellido, concentran el interés del relato. Fueron pareja y son los padres de Lila y de Etienne, una chica adolescente y un niño de once años.

El padre quiere retomar el contacto con sus hijos, a los que no ve desde hace dos años; pero ni Alice ni los propios chicos quieren tener relación con él. Sus discusiones ante la jueza de familia (Natali Broods) y un asesor especializado en este tipo de casos (Ulysse Goffin) evidencian su incompatibilidad.

La madre no quiere que el padre vea a sus hijos porque lo acusa de abusos y maltratos. El padre niega esa acusación y requiere volver a tener la posibilidad de verlos. Y existe una tercera opción ligada a que los chicos vayan a algún tipo de institución, ante la posibilidad de que ninguno de los dos esté en condiciones de cuidarlos.

Un filme duro que muestra la realidad de este tipo de casos y la dificultad del sistema judicial para resolverlos de manera justa, para, supuestamente, proponer la mejor solución para proteger a los hijos. El final abierto dota a esta historia de un componente de inquietud sobre la fiabilidad del sistema.

DJ Ahmet

En su debut en la dirección de largometrajes, el macedonio Georgi M. Unkovski ganó el premio Especial del Jurado y el del Público en Sundance con esta historia iniciática sobre un adolescente de quince años que vive en una remota aldea en Macedonia del Norte. En el Festival de Cine de Sevilla ha obtenido el Gran Premio del Jurado de la Sección Oficial. A lo que debe añadirse el premio al mejor actor para el joven Arif Jakup.

Ahmet (Arif Jakup), de 15 años, y su hermano menor Naim (Agush Agushev) viven con su padre (Aksel Mehmet), un hombre severo y afligido tras la muerte de su esposa y madre de los chicos. Ahmet tuvo que dejar la escuela para ayudar a su padre con las ovejas. Naim ha dejado de hablar tras la muerte de su madre, por lo que su progenitor lo lleva con frecuencia al curandero local.

Combina un particular sentido del humor y una crítica social que explora el reto de pertenecer a una comunidad muy tradicional y la búsqueda de la propia identidad, en una sociedad pequeña y cerrada. Una noche, siguiendo el joven pastor a su atractiva vecina, Aya (Dora Akan Zlatanova), se interna en el bosque y se da de bruces con una fiesta rave clandestina. Pero el rebaño de ovejas de Ahmet lo sigue hasta la pista de baile, creando un momento «mágico» que convierte a Ahmet en una celebridad local.

La historia avanza mostrando la gradual emancipación de Ahmet de su padre, así como la incipiente relación con Aya. La joven está a punto de ser obligada a casarse por su autoritario padre.

Sin embargo, finalmente se impone un tono optimista en la historia apoyado por el acierto de algunos gags, como el que se produce en un minarete cuyas llamadas a la oración de una pequeña comunidad turca que reside en el pueblo, se distorsionan constantemente, hasta que se convierten en un elemento que contribuye a que la historia tenga un desenlace feliz.

La anatomía de los caballos

El cineasta peruano Daniel Vidal Toche ha recibido con su ópera prima presentada en Sevilla, los premios a fotografía (Angello Faccini) y dirección artística (Juan Pablo Garay).

Se trata de una co-producción (España, Perú, Colombia y Francia), que propone una historia rodada en el impresionante altiplano andino, con dos líneas temporales. De una parte, en el siglo XVIII Ángel (Juan Quispe) regresa derrotado de la batalla, con su hermano herido de muerte sobre un caballo. Regresa a su pueblo para unirse a la rebelión anticolonial de Túpac Amaru II, el líder indígena que en 1780 encabezó la mayor rebelión anticolonial en el Virreinato del Perú, que desafió abiertamente el poder de la monarquía española. Ángel ve caer un meteorito del cielo que interpreta como una señal divina.

De otra, en el siglo XXI una joven pastora de llamas busca a su hermana gemela desaparecida, en un contexto marcado por la lucha de la contaminación provocada por una empresa minera.

Ángel, «transportado» a la actualidad, visita el lugar donde cayó el meteorito, que ha dejado un cráter lleno de agua. Allí se encuentra con la mujer que busca a su hermana gemela. Él reconoce que la ha visto en sus sueños, y su desaparición parece estar relacionada con la mina, que está envenenando la tierra, los animales y a los niños, en medio de las protestas de los lugareños y la indiferencia del alcalde.

La película explora en ambos espacios temporales el sentido de la rebelión, llegando a la conclusión de su inutilidad. Un eterno deseo de cambio que nunca se consolida. Ese mensaje se subraya con un poderoso tratamiento visual que pretende proyectar la trayectoria del Perú mediante el cruce de las dos historias que parecen alimentarse entre sí.

Es una película que aborda el problema del colonialismo español en el Perú desde un punto de vista crítico, pero alejado de clichés. Nos habla de revoluciones pasadas que prefiguran las que vendrán. Incorpora elementos vinculados al realismo mágico: La caída de un meteorito se interpreta como una señal divina, como si todo pudiera suceder al mismo tiempo.

En síntesis, estamos ante una reflexión original con una gran fuerza visual que nos habla sobre la insignificancia real de las revoluciones, y de una visión actual de la vida indígena que sigue siendo afectada por lo que un día fue el colonialismo y hoy se ha convertido en un negocio corporativo implacable, alimentado por las grandes empresas multinacionales.

Late shift (Turno de noche)

Esta película va a representar a Suiza en la carrera por los Oscar. Dirigida por Petra Biondina Volpe, y basada en un guion propio, ha obtenido el premio al mejor montaje (Hansjorg Weissbrich) en el Festival de Cine de Sevilla.

La historia se filma a base de largos planos secuencia que permiten seguir a Floria, una enfermera que trabaja en una de las plantas de un hospital suizo, con una gran entrega y profesionalidad. A través de su frenética actividad, muy bien reflejada gracias a una excelente labor de montaje, se visibilizan temas reivindicativos como los recortes en sanidad, la gestión (falta de personal) o la calidad de vida de los pacientes.

Con la sala de cirugía colapsada y un personal claramente sobrepasado, Floria parece acostumbrada al ritmo frenético que asume. La protagonista se expresa siempre con un tono tranquilo y una actitud comprensiva, incluso con los pacientes poco respetuosos, incluso agresivos. Es una figura plenamente fiable.

Uno de los valores más evidentes es que constituye un homenaje a los profesionales sanitarios, reivindicando su labor y entrega. Antes de los créditos finales, se presenta una estadística sobre la escasez de personal sanitario, un problema que forma parte de una crisis estructural en el sector.

Muy destacable el trabajo de la actriz protagonista Leonie Benesch, encarnando con gran verosimilitud a la enfermera que monopoliza el relato. Se trata de una excelente actriz que ya tuvimos oportunidad de ver hace un par de años, encarnando a una profesora idealista en Sala de profesores (2023), película también presentada en el Festival de Cine de Sevilla.

Una cinta intensa, cuyo ritmo no decae en ningún momento y que contiene un final sorprendente y conmovedor.

All that’s left of you

Ha recibido en Sevilla el premio a la mejor dirección para Cherien Dabis. Instalada en la industria audiovisual estadounidense hace tiempo, fundamentalmente dedicada a trabajar en series, ha dirigido esta historia con un estilo casi documental al narrar la trayectoria de una familia palestina, asentada en su tierra, a través de tres generaciones. Sin duda la película resulta actual y oportuna dada la terrible situación en Gaza.

Cherien nació y creció en Estados Unidos,  pertenece a una familia palestina exiliada, y este film se inspira en las experiencias contadas por su padre. Una historia trágica, marcada por el enfrentamiento entre palestinos judíos. Las vicisitudes de la familia retratada reflejan la lucha por defender su tierra frente a la ocupación judía.

La narración cronológica se desarrolla secuencialmente a lo largo de los años 1948, 1978, 1988 y 2022. Las desventuras de la familia Hammad, perteneciente a la clase media-alta, comienzan con una existencia segura como prósperos granjeros en Jaffa.

Desplazados por el ejército judío, deben huir a un campo de refugiados en Nablus, Cisjordania, donde una tragedia que afecta a uno de sus hijos durante una protesta contra la ocupación complicará gravemente su situación.

Está dividida en cuatro capítulos: el auge de la violencia durante la Nakba en 1948; la consolidación de un nuevo statu quo en Cisjordania en 1978; el estallido de la Primera Intifada en 1988; y el presente fílmico de 2022.

Los miembros de la familia protagonista, tanto en su función de testigos como de participantes, constituyen el apoyo que la directora utiliza para presentar la serie de conflictos ocultos y catastróficos que se narran. La forma en que Dabis muestra la expropiación de sus propiedades por parte de las fuerzas sionistas, vista desde el punto de vista del patriarca de la familia (Mohammad Bakri) en el segmento ambientado en 1948, y su heredero (Adam Bakri) tomando el relevo en 1978, resulta desoladora. La continua necesidad de desplazarse genera una inseguridad creciente. El padre de familia pasa unos meses en un campo de prisioneros, mientras su esposa Munira (Maria Zreik) y su hijo se dirigen al oeste.

El epicentro emocional de la película se centra en los conflictos generacionales y políticos entre los hombres de la familia, con Sharif una figura más conformista ante la situación y su padre, cuyos principios nacionalistas comienzan a impregnar la visión de su nieto Noor. El destino trágico de Noor, desencadena en su padre un replanteamiento existencial más profundo sobre su visión de la realidad en la que están inmersos.

La película propone una visión del conflicto en la que los palestinos se muestran dignificados. A través de la narración de Dabis, Israel carga con toda la culpa, de la tragedia.

Su objetivo más explícito no es el de crear una conciencia, sobre la guerra, la política, o los intereses de dominación global que planean sobre este conflicto histórico; sino visibilizar las consecuencias individuales y colectivas del conflicto en la población civil. Y por extensión la injusticia que siempre supone la violencia institucional.

Escribe Juan de Pablos Pons