Y últimas películas vistas

Pues parece que era ayer cuando aterrizábamos en Sitges para cubrir la 59 edición de su Festival de cine Fantástico y aunque mañana domingo aún se podrán ver las últimas películas proyectadas ya se ha conocido la flamante ganadora y el resto del palmarés.

Antes de citarlo me gustaría, tal y como he hecho en los últimos años, agradecer a la revista Encadenados la posibilidad de ir acreditado por prensa a un certamen al que he acudido ininterrumpidamente desde hace treinta y un años, que se dice pronto.

Cada año se hace un poco más duro porque la edad no perdona, però, como sarna con gusto no pica, aquí seguimos al pie del cañón.

Vamos con el Palmarés:

Oficial Fantàstic Competición

Sanguine, de Marion Le Corroller, gana el Premio a Mejor película.

Por otra parte, Joko Anwar se lleva el Premio a Mejor dirección por Ghost in the Cell y los ganadores a Mejor interpretación son para Jasmine Trinca, por The Spiral, y Benoît Magimel, por Historias de la noche (The Birthday Party).

Premio Especial del Jurado: Drag, de Greg Jagolnitzer y Raviv Ullman.

Mejor Guion: Buddy, de Casper Kelly y Jamie King.

Mejor Fotografía: Océano Titánico, de Raphaël Vandenbussche.

Mejor músca: River, de Mondo Boys.

Mejores Efectos Especiales, Visuales o de Maquillaje: Colony, de Hong Jeong-ho.

Premio Citizen Kane al Director Revelación:  Leviticus, de Adrian Chiarella.

Noves Visions

Premio a la Mejor Película Noves Visions: Hen, de Nico Scheepers.

Mejor dirección Noves Visions: Fernando Martínez yJuan González (Burnin’ Percebes) por La muerte de Drácula ex-aequo Cristian Ponce por Familia teme enfrentar una nueva noche de terror.

Premio al Mejor Cortometraje Noves Visions Pequeño Formato: Snakes in Lace de Martina Pavlíková y Petr Kadaňka ex-aequo NOIZE de Javier Rodríguez Pino.

Anima’t

Premio al Mejor largometraje de animación: We Are Aliens de Kohei Kadowaki.

Premio al Mejor Cortometraje de Animación: The Flesh Dress de Joachim Hérissé.

Òrbita

Mejor película de la sección Òrbita: Gummy de Javi Prada.

Mejor película Sitges Documenta: Dernsie: La vida increíble de Bruce Dern de Mike Mendez.

Jurado de la crítica

Premio Josep Lluis Guarner a la mejor película de la SOFC: The Incomer, de Louis Paxton.

Méliès D’Or

Premio a la Mejor Película de género fantástico: Feels Like Home, de Gábor Holtai.

Premio al Mejor Cortometraje de género fantástico: The Old Lady and the Eternity de Marc Martínez Jordán.

Méliès de Plata

Premio a la Mejor Película de género fantástico: The Spiral de Paolo Strippoli.

Premio al Mejor Cortometraje de género fantástico: El moribundo, de Laura Guerricaechevarría.

Brigadoon

Premio Brigadoon Paul Naschy:The Last Snow, de Rodolphe Bouquet-Populus.

Carnet Jove

Premio Jurado Carnet Jove Mejor Largometraje Fantàstic Competició: Ghost in the Cellde Joko Anwar.

SGAE Nova Autoria

Mejor dirección: Nausica Serra por Dissecció d’una incoherència en crisi.

Mejor guion: Diana Magallón por Amor comestible de Diana Magallón.

Mejor música original: Pablo Garayoa y Lídia Grau por Amber Lights de Emilio Aycaguer.

Premios del público

Premio del Público SFOC (by La Vanguardia): Wildwood de Travis Knight.

Premio del Público Panorama: The Fox de Dario Russo.

Premio del Público Midnight X-Treme: Kung Fu Deadly de Fergal Costello.

Premio del Público Blood Window: No Salgas de Victoria Linares.

Premio del Público Focus Asia: Blades of the Guardians: Wind Rises in the Desert de Yuen Woo-ping.

Premio del Público Sitges Collection: 5 minutos más, de Javier Ruiz Caldera.

Últimas películas vistas:

Drag

La idea más divertida de Drag es también la más cruel: la huida depende de un cuerpo que apenas puede moverse. Raviv Ullman y Greg Yagolnitzer construyen su ópera prima en torno a esa contradicción física, convirtiendo una lujosa mansión aislada en el norte del estado de Nueva York en una máquina para humillar a dos ladrones que entraron esperando una noche tranquila.

Drag fusiona la comedia física estadounidense con el terror de las invasiones a domicilio, convirtiendo el dolor de espalda, las uñas al descubierto, la cerámica fea y el resentimiento entre hermanos en una comedia física mordaz.

Lizzy Caplan y Lucy DeVito le dan a la endeble premisa la suficiente tensión como para sobrevivir a sus momentos repetitivos, mientras que John Stamos transforma el encanto televisivo habitual en una amenaza burlona.

Los personajes se mantienen más como arquetipos de género que como personas con profundidad, y el chiste final devalúa la lucha previa. Aun así, pocas películas logran que cruzar un pasillo se sienta tan peligroso o tan divertido.

Wicker

Eleanor Wilson y Alex Huston Fischer evocan un cuento popular surrealista para adultos que parece sacado de una visión febril del siglo XVII, aún impregnado de agua salada.

Ambientada en un pueblo costero desvinculado de cualquier noción de época, Wicker narra la historia de una marginada social conocida como la Pescadora. Olivia Colman la interpreta con una fatiga punzante, inmersa en una comunidad regida por rígidas costumbres patriarcales y arcaicas normas para nombrar a las personas. La Pescadora sufre burlas diarias por su trabajo y por su cuerpo desaliñado y con olor a pescado.

Wicker es una provocación audaz y artesanal que logra ser a la vez rica en simbolismo textil y refrescantemente irreverente. Al utilizar un autómata tejido para desmantelar la rígida anulación de las relaciones propias de su entorno rural, la película ofrece una mirada penetrante a la deuda matrimonial y la conformidad social.

Si bien el segundo acto a veces se estanca en su propia extravagancia, la cruda vulnerabilidad de Olivia Colman y la impávida elegancia de Alexander Skarsgård anclan esta fábula en una verdad humana reconocible. Es una obra cinematográfica singular, de gran belleza y textura, que transforma una premisa ridícula en un conmovedor tratado social.

Hot Spot

Djonny llega a un campo de refugiados tras desplazarse en coche, tren y bicicleta; para entonces, Hot Spot ya ha prometido una historia de detectives que, en realidad, tiene poco interés en resolver.

Agnieszka Smoczyńska dota a su investigador de un asesinato ritual, un grupo reducido de sospechosos, un plazo límite acuciante y una mujer misteriosa que parece capaz de adentrarse en la mente de los demás. El guion de Robert Bolesto dedica gran parte de la película a aflojar los tornillos que mantienen unidos todos esos elementos.

Hot Spot contiene ideas suficientes para varios thrillers distópicos, pero carece de la disciplina estructural necesaria para cualquiera de ellos. Los momentos más logrados de Agnieszka Smoczyńska surgen cuando toman el control la estética árida de Jakub Kijowski, la interpretación techno-punk de Ayka y el paisaje sonoro electrónico.

La investigación del asesinato sale peor parada, sepultada bajo conexiones psíquicas inexplicables, reglas cambiantes y la condición cada vez más surrealista de Djonny. Andrzej Konopka y Noomi Rapace se entregan a la extrañeza de la propuesta, aunque sus personajes rara vez adquieren la claridad que el propio espectáculo les niega. Se van acumulando piezas fascinantes; el ensamblaje, al parecer, fue opcional.

We Are Aliens

We Are Aliens adopta la estructura habitual de una historia de iniciación y, con sutileza, la transforma en algo más triste, extraño y punzante. El debut en el largometraje de animación de Kohei Kadowaki sigue a Tsubasa y Gyotaro, dos chicos que crecen en un pueblo de Japón a principios de los años 2000, un entorno donde las aulas, los rumores del recreo, los padres estrictos y la jerarquía social pueden llegar a sentirse como el universo entero.

Su amistad nace de un instante de reconocimiento mutuo: un niño solitario ve a otro y, por un tiempo, el mundo deja de ser tan monótono.

A Kadowaki le interesa la magnitud de las emociones infantiles. Un paraguas roto puede convertirse en una catástrofe. Una acusación imprudente puede cristalizar en una identidad. Un rumor puede propagarse más rápido que la culpa.

Aunque el título de la película evoca la ciencia ficción, sus «alienígenas» habitan en los pasillos de la escuela y en las cocinas familiares. Para un niño, la singularidad de otra persona puede parecer la prueba de algo imposible; para un adulto que recuerda aquello, ese mismo pensamiento puede percibirse como el primer paso hacia la crueldad.

We Are Aliens es un drama animado visualmente impactante y emocionalmente desgarrador sobre la amistad, la culpa y las secuelas que los niños pueden arrastrar hasta la edad adulta. El debut en el largometraje de Kohei Kadowaki emplea su perspectiva dual con un propósito claro, transformando una ruptura ocurrida en el patio de la escuela en un estudio lleno de matices sobre la memoria y la culpa.

Su acto final puede resultar algo excesivo, perdiendo parte de la precisión serena que hace tan conmovedoras las partes anteriores. Aun así, su factura técnica, su estructura y su dolorosa lucidez la convierten en una historia memorable sobre el paso a la madurez.

A Prayer for the Dying

En la austeridad del Wisconsin de 1870, un municipio llamado Friendship se aferra a la existencia con el reflejo de algo que se niega a morir. Aquí, la frontera conlleva el peso del castigo. La luz del sol abrasa la tierra. El polvo se levanta y vuelve a asentarse, como si el suelo intentara devorarse a sí mismo.

Jacob Hansen, inmigrante noruego y veterano de la Guerra Civil, actúa como la única viga maestra del asentamiento. Ejerce de sheriff, pastor y enterrador: tres funciones que le exigen mantener el orden, ofrecer sentido y sepultar aquello que el sentido no logra salvar. Ostenta estos cargos como si fueran talismanes, como si el deber pudiera mantener al terror bajo control.

La película es una meditación desgarradora y visualmente impactante sobre los límites de la capacidad de acción humana. Capta la asfixiante intersección entre el trauma pasado y la catástrofe presente, aunque su apuesta por el rigor estético a veces sofoca la misma verdad emocional que pretende revelar.

Si bien la narrativa a veces se pierde entre el humo de su propia ambición, las interpretaciones centrales y el pavor palpable y visceral de su atmósfera la convierten en una experiencia formidable. Es una exploración sombría y hermosa de la fe que perdura en la mente como el aroma del humo de leña y la ceniza.

El misterio de Lucy Lost

Su cabello blanco convierte a Lucy en un rumor antes de que tenga la oportunidad de ser una niña. En las islas Sorlingas, en 1915, ella se mueve como alguien que ha regresado a medias de otro mundo: amada por su familia, temida por sus vecinos y observada por el mar.

La película, adaptada de la obra Listen to the Moon, de Michael Morpurgo, comienza con la imagen que rige silenciosamente todo lo que sigue: Lucy caminando sonámbula hacia el agua, atraída por una llamada que no puede explicar, para luego ser apartada por unos padres cuya ternura encierra pánico.

El misterio de Lucy Lost es una fantasía tierna e impregnada de salitre sobre una niña convertida en el temor de un pueblo. Sus mejores pasajes residen en pequeñas imágenes: Lucy en la orilla, Milly tirando de ella hacia la vida, una ballena emergiendo del agua como un recuerdo.

El tramo final de la película se precipita a través de revelaciones que requerirían silencio, y algunos personajes secundarios resultan algo desdibujados. Aun así, su tristeza tiene forma, su animación posee calidez y sus mejores momentos comprenden la soledad como un lugar que, a veces, los niños se ven obligados a habitar.

Rogue Trooper

Un soldado que puede respaldarse como si fuera software es una fantasía bélica muy útil, sobre todo porque elimina el inconveniente definitivo de la guerra: que los muertos permanezcan muertos.

Rogue Trooper, la adaptación animada para adultos dirigida por Duncan Jones —a partir del cómic de 2000 AD creado por Gerry Finley-Day y Dave Gibbons— se toma esa idea lo suficientemente en serio como para darle un tono sombrío, y luego la rodea de equipamiento parlante, insultos con acentos regionales y una mochila que demuestra tener mejor sentido del humor que varios personajes de carne y hueso.

El planteamiento es denso, como suele ocurrir en los viejos cómics de ciencia ficción, por lo que la película opta por un recurso contundente: el clásico texto introductorio de las space operas que se desplaza por la pantalla. Los Norts y los Southers se disputan Nu Earth, un planeta tóxico de brumas sulfurosas, roca gris y estupidez táctica.

Los Southers han creado a los Infantes Genéticos: soldados de piel azul capaces de sobrevivir en esa atmósfera y de conservar sus mentes en chips. Si el cuerpo muere, el chip puede trasladarse a otro lugar hasta que haya un clon listo. Es la inmortalidad con trámites burocráticos militares.

Rogue Trooper es una obra combativa, extraña y, a menudo, más inteligente de lo que sugiere su premisa de una mochila parlante. Duncan Jones construye una sátira bélica con una estructura narrativa sólida y la adorna con excesos propios del pulp, humor negro y paisajes digitales que, vistos a distancia, suelen lucir magníficos.

Aunque la animación flaquea en el combate cuerpo a cuerpo y el texto introductorio exige paciencia antes de que la película se la haya ganado, los soldados muertos atrapados en el equipo confieren a la historia una carga emocional singular e incisiva.

Never after dark

Miku es la hermana mayor de Airi, aunque ahora aparenta ser más joven. Murió hace años y sigue apareciendo con la edad que tenía entonces; se la puede ver fugazmente en el espejo de un coche o en una pantalla oscura. Airi ha seguido envejeciendo con su hermana a su lado.

Sus conversaciones fluyen con una naturalidad que hace que la situación parezca casi práctica, siempre y cuando no se reflexione demasiado sobre lo que cada una ve en el rostro de la otra.

Al principio, se puede interpretar esa naturalidad como un pequeño acto de rebeldía frente a las historias de fantasmas convencionales. Airi (Moeka Hoshi) no considera a los muertos como intrusos. Miku (Kurumi Inagaki) le ofrece compañía y consejos mientras ella recorre Japón ayudando a espíritus inquietos a seguir su camino.

Sin embargo, los reflejos imponen un límite visible a su cercanía. Miku puede hablar con Airi desde el otro lado de una superficie, pero Airi no puede darse la vuelta y encontrar a su hermana allí de pie. Dave Boyle permite que conversen sin insistir en que cada intercambio se convierta en una lección sobre el duelo, lo que hace que la distancia resulte más difícil de ignorar.

Never After Dark convierte la seguridad de Airi al tratar con fantasmas tanto en un elemento gratificante como en un interrogante. La interpretación serena de Moeka Hoshi, las conversaciones entre las hermanas a través de los reflejos y un misterio que nos invita a mirar más allá de un rostro aterrador confieren una fuerza real al enfoque paciente de Boyle.

El ritmo decae en ocasiones, y la violencia de la recta final reduce la incertidumbre que hacía tan absorbente la investigación. Aun así, la negativa de Airi a confundir el peligro con una respuesta es algo que permanece en la memoria del espectador.

Vintage Violence

Carter corre por una concurrida calle comercial de Tokio con una única pista sobre el paradero de su teléfono robado: la música que suena en sus auriculares Bluetooth. A medida que la conexión se entrecorta y se restablece, él puede estimar la distancia que lo separa del ladrón.

El guionista y director Eugene Kotlyarenko nos permite percibir ese cambio al mismo tiempo que el protagonista. La banda sonora se convierte así en un medio para seguir la acción, planteando al público un sencillo problema que resolver en plena persecución frenética.

Otros pasajes de Vintage Violence exigen un tipo de atención diferente. Las pantallas divididas muestran un mismo suceso desde múltiples ángulos, mientras que los comentarios y mensajes de la transmisión en vivo compiten por el protagonismo con las personas que aparecen en pantalla. Durante la emisión inicial de Carter, el chat aporta datos sobre su pasado casi a mayor velocidad de la que permite la lectura.

Me gusta la idea de que la audiencia lo conozca a través de comentarios dispersos en lugar de una presentación ordenada, aunque la rapidez hace que sea fácil pasar por alto algunos de esos detalles. La secuencia de la persecución por el teléfono robado demuestra con qué claridad Kotlyarenko puede dirigir nuestra atención cuando se lo propone.

Vintage Violence brilla especialmente cuando su estilo frenético nos ayuda a seguir la acción, como en la persecución guiada por el sonido de los auriculares Bluetooth de Carter. Las pantallas divididas, los cortes rápidos y los gánsteres grotescos ofrecen mucho que disfrutar, aunque la película acaba cansando cuando cada nueva interrupción eclipsa a la anterior. Sprouse y Mizuhara hacen que el romance resulte atractivo, pero la trama le deja muy poco espacio para desarrollarse.

Monstruosa Mía

¡Para Mia no hay tema más apasionante que los monstruos! Se ocupa constantemente de ellos y busca pruebas de su existencia real, a pesar de que oficialmente se les considera extintos desde hace siglos. Sin embargo, esta afición no le granjea muchas simpatías: sus extrañas historias hacen que no logre encajar con sus compañeros.

Además, sus exposiciones se perciben como una provocación que debe cortarse de raíz. Como consecuencia, la joven va saltando de una escuela a otra. Ahora solo le queda una opción: la Academia Finsterwald. La idea no entusiasma a Mia, sobre todo porque el nombre mismo no suena nada acogedor. Y, en efecto, los humanos son allí todo menos bienvenidos, ya que se trata de una escuela destinada exclusivamente a monstruos…

Monster Mia es una mezcla de elementos conocidos que ya se han visto antes, de una forma u otra. El desarrollo de la trama tampoco depara sorpresas; la mayor parte de la historia se puede prever sin dificultad. Las ideas realmente originales escasean, aunque entre ellas destaca, por ejemplo, su peculiar sistema de clasificación.

Aun así, la directora Verena Fels narra una historia muy bonita. Es cierto que la reconciliación final entre humanos y monstruos no es precisamente algo revolucionario, es un recurso habitual en el cine de animación, pero no por ello deja de ser acertada: en una época marcada por la exclusión, un alegato a favor de la apertura y en contra de la discriminación resulta muy oportuno.

Visualmente, la película resulta muy agradable. Como es lógico, esta cinta de animación, que se estrenó mundialmente en el Festival de Annecy de 2026, no puede competir con los mundos maravillosos creados por los grandes estudios estadounidenses; una producción europea de este tipo simplemente no cuenta con el presupuesto necesario para generar imágenes de ese calibre. Algunos de los diseños de los monstruos resultan bastante simpáticos. Desde el punto de vista técnico, tampoco hay nada que reprochar al estudio de animación alemán arx anima: la ejecución es impecable y la paleta de colores, muy agradable.

Si bien Monster Mia no es una película especialmente memorable debido a los elementos convencionales ya mencionados, es una opción muy adecuada para encontrar algo apropiado para los más pequeños en esta época del año.

Escribe Francisco Nieto | Fotos Sitges 2026